Les succès des Méduses ou de La visite de la fanfare ont permis de placer de façon significative Israël sur la carte du cinéma international.
« Beaufort » de Joseph Cedar semble être l’exemple le plus frappant du développement de la production cinématographique de ce petit pays qu’est Israël. Ce film aborde le sujet sensible du retrait de l’armée israélienne du Liban au début des années 2000. Beaufort, une forteresse, un avant-poste situé en haut d’une montagne oubliée, fut le symbole de la présence israélienne au Liban et finalement du retrait de Tsahal.
Francis Ford Coppola mettait en scène l’embourbement des forces américaines au Vietnam dans Apocalypse Now. Sam Mendes, quant à lui, évoquait l’interminable attente des G.I. lors de la première guerre du golfe dans Jarhead, qui avait déjà fait l’objet d’une critique sur ce même site. Joseph Cedar dans Beaufort s’attarde à son tour sur ce pan peu exploité des grands films de guerre : l’attente.
Cette attente est sujette à la réflexion tant pour ces soldats israéliens aux gueules enfantines que pour le spectateur. On s’interroge avec eux sur l’opportunité d’une telle guerre, sur le réel objet de cette division située en territoire ennemi dont le départ est imminent.
Joseph Cedar a voulu s’intéresser, selon ses propres dires, à la fin de la guerre, avant l’inévitable retrait des forces de la forteresse de Beaufort. L’armée voulait à tout prix éviter de donner l’impression d’une fuite. Il en est de même dans le film pour le réalisateur qui semble en effet ne pas vouloir abandonner ses personnages. Il les filme à la façon d’un père protecteur, mais non complaisant. Il les place dans des situations psychologiquement difficiles tout en gardant un œil bien veillant et une réelle humanité. Ce thème de la paternité est repris dans le film, soulevant la question de la responsabilité du pays quant à ses soldats.
Beaufort fut nommé dans la catégorie « meilleur film étranger » aux Oscars, mais se vit ravir la statuette par le non moins excellent « Les Faussaires », film autrichien sur l’histoire de ces déportés forcés par l’armée allemande à fabriquer des faux billets pour couler l’économie américaine et anglaise. On regrette d’ailleurs que ces deux films n’aient pas reçu la publicité et la distribution qu’ils méritaient. Deux films qui nous touchent plus particulièrement, mais dont l’ampleur est universelle. I comme Israélien, I comme International…
Les films de l'année 2007
L’immanquable : « La vie des autres » de Florian Henckel von Donnersmarck
Si « Good Bye Lenin » nous avait déjà émerveillé en 2003, « La vie des autres » marque une fois encore le renouveau du cinéma allemand. Un voyage dans le temps et dans l’espace dans l’Allemagne de l’Est, surveillée par la Stasi.
La bonne surprise : « Les Simpsons : le film » de David Silverman
Adaptation très réussie sur grand écran de la série culte Les Simpsons. Ils nous reviennent plus grinçants, plus idiots et plus drôles que jamais. Un film à part entière et non un simple assemblage de plusieurs épisodes.
Les meilleurs films d’aventure : « Blood Diamond » et « Le dernier roi d’Ecosse »
Leonardo DiCaprio en trafiquant de Diamant au Sierra Leone et Forrest Whitaker en Amin Dada. Deux performances remarquées et remarquables, deux aventures ayant pour décor l’Afrique, deux films d’aventure à ne pas manquer.
La fin d’une trilogie réussie : « La vengeance dans la peau » de Paul Greengrass
Matt Damon excelle pour sa troisième apparition en tant que Jason Bourne, tueur amnésique à la recherche de son passé. Ce troisième opus clôt parfaitement une trilogie au rythme effréné, qui nous a mené à travers le monde et qui s’achève en beauté.
Des suites moins réussies : « Shrek 3 » et « Spiderman 3 »
L’ogre vert et l’homme araignée ont une chose en commun : ils commencent à s’essouffler. Le premier nous ressert ses blagues réchauffées alors que le second commence à perdre les qualités qui lui permettaient auparavant de survoler la compétition.
Grosse production, gros effets : « 300 » de Zack Snyder
Avant de se spécialiser dans les chocolats, Léonidas se battait au côté de 300 amis spartiates contre une armée persane de plusieurs millions. Une prouesse visuelle et technique époustouflante qui fait oublier un scénario assez pauvre.
Petite production, grand film : « This is England » de Shane Meadows
L’Angleterre des années 80, la guerre des Malouines, la naissance du mouvement skin, la perte du père à travers les yeux d’un enfant de 12 ans. Un film très anglais et très touchant : un enfant qui recherche une figure paternelle dans un pays qui cherche son identité.
Si « Good Bye Lenin » nous avait déjà émerveillé en 2003, « La vie des autres » marque une fois encore le renouveau du cinéma allemand. Un voyage dans le temps et dans l’espace dans l’Allemagne de l’Est, surveillée par la Stasi.
La bonne surprise : « Les Simpsons : le film » de David Silverman
Adaptation très réussie sur grand écran de la série culte Les Simpsons. Ils nous reviennent plus grinçants, plus idiots et plus drôles que jamais. Un film à part entière et non un simple assemblage de plusieurs épisodes.
Les meilleurs films d’aventure : « Blood Diamond » et « Le dernier roi d’Ecosse »
Leonardo DiCaprio en trafiquant de Diamant au Sierra Leone et Forrest Whitaker en Amin Dada. Deux performances remarquées et remarquables, deux aventures ayant pour décor l’Afrique, deux films d’aventure à ne pas manquer.
La fin d’une trilogie réussie : « La vengeance dans la peau » de Paul Greengrass
Matt Damon excelle pour sa troisième apparition en tant que Jason Bourne, tueur amnésique à la recherche de son passé. Ce troisième opus clôt parfaitement une trilogie au rythme effréné, qui nous a mené à travers le monde et qui s’achève en beauté.
Des suites moins réussies : « Shrek 3 » et « Spiderman 3 »
L’ogre vert et l’homme araignée ont une chose en commun : ils commencent à s’essouffler. Le premier nous ressert ses blagues réchauffées alors que le second commence à perdre les qualités qui lui permettaient auparavant de survoler la compétition.
Grosse production, gros effets : « 300 » de Zack Snyder
Avant de se spécialiser dans les chocolats, Léonidas se battait au côté de 300 amis spartiates contre une armée persane de plusieurs millions. Une prouesse visuelle et technique époustouflante qui fait oublier un scénario assez pauvre.
Petite production, grand film : « This is England » de Shane Meadows
L’Angleterre des années 80, la guerre des Malouines, la naissance du mouvement skin, la perte du père à travers les yeux d’un enfant de 12 ans. Un film très anglais et très touchant : un enfant qui recherche une figure paternelle dans un pays qui cherche son identité.
The Wrestler
Huit ans après le remarquable « Requiem for a Dream », Darren Aronofsky revient pour « The Wrestler », l’histoire d’un catcher professionnel déchu et marque le grand retour de Mickey Rourke sur les écrans. Ce film, quasi-biographique sur la vie de l’acteur, gueule d’ange des années 1980, dégage une puissance et un désenchantement hors du commun.
Le récit est en fait construit autour de la symbolique du « vrai » et du « faux ». Le thème de l’apparence est alors décliné tout au long de l’histoire, le faux n’ayant jamais paru si vrai…
Le catcher, interprété magistralement par Mickey Rourke, s’est créé un personnage de toutes pièces. Il a les cheveux longs et décolorés et ses muscles démesurés sont en fait le fruit du dopage. Comme tout catcher, il a également choisi un pseudo, Randy « The Ram » Robinson, et ne supporte pas qu’on l’appelle par son vrai nom.
De même, le catch est un sport où les coups ne sont pas réellement portés et où le combat est prévu d’avance. Mais là, le film aime brouiller les pistes tellement les combats, d’une rare violence, semblent réels. Finalement, on s’interroge sur le fait de savoir comment un catcher peut affronter la réalité, lui qui se bat dans un monde imaginaire.
En outre, il est difficile de cerner où commence l’histoire de Randy Robinson, héros du film, et où finit la vie de l’acteur qui l’interprète. Mickey Rourke après avoir acquis une certaine notoriété dans les années 1980, notamment grâce au film « 9 semaines 1/2 », a peu à peu sombré dans l’alcool et la drogue. Il a entamé une carrière de boxeur, durant laquelle les coups qu’il a reçus lui ont fait perdre son visage d’ange. Cette longue descente en enfer semble se prolonger dans le film.
De plus, le réalisateur se plait à pousser l’analogie du faux dans tous les recoins du récit, et surtout dans les relations qu’entretient le personnage avec les femmes. D’une part, Randy tente de vivre une histoire d’amour avec une stripteaseuse, qui à l’instar d’un catcher vit d’un métier basé sur la représentation et les fausses apparences. La limite entre le réel et l’imaginaire est là représentée par la ligne à ne pas franchir par le client. D’autre part, le catcher qui a abandonné sa fille tente de se rapprocher d’elle, celle qui semble incarner les vraies valeurs. Le personnage lutte alors pour trouver le véritable équilibre.
D’autres détails viennent créer une ambiance et une atmosphère où le réel se mêle à l’imaginaire, où la fiction ne dépasse pas, mais remplace le réel. Quand le monde que l’on a créé pour échapper à la dure réalité s’écroule, il ne reste plus qu’à essayer de l’affronter, mais à l’inverse du catch, on ne peut pas prévoir le dénouement. « The Wrestler » parfois choque, parfois émeut, mais toujours touche…
En marge de ce film, il convient de rendre aux césars, ce qui est aux césars. L’Académie a récompensé le film israélien « Valse avec Bachir », produit notamment par la chaîne franco-allemande Arte, pour le meilleur film étranger de l’année 2008.
La compétition était pourtant rude, Valse ave Bachir, ayant notamment triomphé sur les trois films américains « Into the Wild », « There will be blood » et « Two lovers ». Les Césars ont pris leur responsabilité et ont osé primer un documentaire, d’animation et israélien de surcroît. C’est un beau geste et une main tendu vers un cinéma dynamique en pleine expansion dont les succès de « La visite de la fanfare » et des « Citronniers » n’ont fait qu’assurer un peu plus son rayonnement. Enfin, un message d’espoir et de paix, repris par Ari Folman, le réalisateur, dans son discours en acceptant sa récompense.
Le récit est en fait construit autour de la symbolique du « vrai » et du « faux ». Le thème de l’apparence est alors décliné tout au long de l’histoire, le faux n’ayant jamais paru si vrai…
Le catcher, interprété magistralement par Mickey Rourke, s’est créé un personnage de toutes pièces. Il a les cheveux longs et décolorés et ses muscles démesurés sont en fait le fruit du dopage. Comme tout catcher, il a également choisi un pseudo, Randy « The Ram » Robinson, et ne supporte pas qu’on l’appelle par son vrai nom.
De même, le catch est un sport où les coups ne sont pas réellement portés et où le combat est prévu d’avance. Mais là, le film aime brouiller les pistes tellement les combats, d’une rare violence, semblent réels. Finalement, on s’interroge sur le fait de savoir comment un catcher peut affronter la réalité, lui qui se bat dans un monde imaginaire.
En outre, il est difficile de cerner où commence l’histoire de Randy Robinson, héros du film, et où finit la vie de l’acteur qui l’interprète. Mickey Rourke après avoir acquis une certaine notoriété dans les années 1980, notamment grâce au film « 9 semaines 1/2 », a peu à peu sombré dans l’alcool et la drogue. Il a entamé une carrière de boxeur, durant laquelle les coups qu’il a reçus lui ont fait perdre son visage d’ange. Cette longue descente en enfer semble se prolonger dans le film.
De plus, le réalisateur se plait à pousser l’analogie du faux dans tous les recoins du récit, et surtout dans les relations qu’entretient le personnage avec les femmes. D’une part, Randy tente de vivre une histoire d’amour avec une stripteaseuse, qui à l’instar d’un catcher vit d’un métier basé sur la représentation et les fausses apparences. La limite entre le réel et l’imaginaire est là représentée par la ligne à ne pas franchir par le client. D’autre part, le catcher qui a abandonné sa fille tente de se rapprocher d’elle, celle qui semble incarner les vraies valeurs. Le personnage lutte alors pour trouver le véritable équilibre.
D’autres détails viennent créer une ambiance et une atmosphère où le réel se mêle à l’imaginaire, où la fiction ne dépasse pas, mais remplace le réel. Quand le monde que l’on a créé pour échapper à la dure réalité s’écroule, il ne reste plus qu’à essayer de l’affronter, mais à l’inverse du catch, on ne peut pas prévoir le dénouement. « The Wrestler » parfois choque, parfois émeut, mais toujours touche…
En marge de ce film, il convient de rendre aux césars, ce qui est aux césars. L’Académie a récompensé le film israélien « Valse avec Bachir », produit notamment par la chaîne franco-allemande Arte, pour le meilleur film étranger de l’année 2008.
La compétition était pourtant rude, Valse ave Bachir, ayant notamment triomphé sur les trois films américains « Into the Wild », « There will be blood » et « Two lovers ». Les Césars ont pris leur responsabilité et ont osé primer un documentaire, d’animation et israélien de surcroît. C’est un beau geste et une main tendu vers un cinéma dynamique en pleine expansion dont les succès de « La visite de la fanfare » et des « Citronniers » n’ont fait qu’assurer un peu plus son rayonnement. Enfin, un message d’espoir et de paix, repris par Ari Folman, le réalisateur, dans son discours en acceptant sa récompense.
Les Noces Rebelles
Les Noces Rebelles : comment essayer de combattre le conformisme quand on est un couple ordinaire, qui n’a pas les moyens d’être exceptionnel…
Début 2006, dans ces mêmes colonnes, je vous parlais de « Jarhead », film sur la guerre en Irak, également réalisé par Sam Mendes, réalisateur anglais d’exception. Trois ans après, il revient au sommet de son art avec « Les noces Rebelles ». Et au cas où vous me poseriez la question…oui je suis un inconditionnel de Sam Mendes et non je n’allais pas rater l’occasion d’en reparler.
Le réalisateur est surtout connu pour son premier film, et non des moindres, « American Beauty » dans lequel il traitait avec cynisme et humour une tragi-comédie familiale dans une banlieue américaine contemporaine.
Cette fois-ci, pour son quatrième film, il nous plonge dans l’Amérique des années 1950 et s’interroge sur le conformisme. Un jeune couple s’installe dans une petite banlieue verte de New York. Ils sont perçus par leurs voisins comme un couple exceptionnel, capable de grandes choses…mais les apparences sont souvent trompeuses. En réalité, ils sont ordinaires, tout ce qu’il y a de plus ordinaire, et c’est bien là tout le drame…
« Les noces rebelles » (« Revolutionnary Road » en anglais, nom de la rue où vivent les époux) et encore plus tragique et cynique que son aîné, American Beauty. La force du film réside dans la somme de ses contributions, car être un bon réalisateur signifie aussi, et surtout diront certains, s’avoir s’entourer. On peut dire qu’ici, Mendes fait très fort. Chacun apporte son savoir-faire et concourt à construire une œuvre dont l’aspect reflète parfaitement son propos.
Pour la lumière et l’image, comme dans « Jarhead », il a fait appel à l’un des chefs opérateur le plus connu d’Hollywood : Roger Deakins. Ce nom ne vous dit peut-être rien, mais Deakins a travaillé, entre autres, sur tous les films des frères Coen, dont « No Country for Old men » ou « The Barber », sur « Les Evadés », sur « Un homme d’exception » ou sur « L’assassinat de Jesse James ». Il insuffle au film un esthétisme dont il a le secret, où chaque plan est millimétré, où les couleurs pâles sont troublantes et fait transparaître par l’image le conformisme des personnages et de toute une époque. La scène d’arrivée de tous les travailleurs, tous coiffés d’un chapeau et affublés du même costume, à la gare de Grand Central de New York est un monument.
Pour la musique, comme on ne change pas une équipe qui gagne, Thomas Newman le compositeur de la bande originale de « American Beauty » est présent. Il contribue lui aussi à donner au film une ambiance feutrée et calme, seulement en apparence, en utilisant un thème au piano, simple mais évocateur.
De plus, Sam Mendes a réussi à réunir Kate Winslet, sa femme dans la vie, et Leornado DiCaprio après leur succès mondial dans Titanic. D’ailleurs, le réalisateur s’est permis un petit clin d’œil au film de James Cameron, que je vous laisse découvrir et savourer.
Kate Winslet, en femme au foyer désespérée (mais qui a dit « desperate housewives » ?) est plus que sensationnelle. D’ailleurs sa prestation, tout en subtilité et maturité, lui a valu le Golden Globe de la meilleure actrice. Cérémonie dans laquelle « Valse avec Bashir » a d’ailleurs remporté le prix du meilleur film étranger. Quant à DiCaprio, il n’est pas en reste, même si sa prestation est quelque peu éclipsée par celle de Kate Winslet. En fait, les seconds rôles vaudraient à eux seuls le détour, mais pour ne pas vous gâcher le plaisir, je n’en dirais pas plus.
Vous l’aurez peut-être compris, « Les noces rebelles » excellent là où ses personnages pèchent, par un soucis du détail, un ton acerbe et une mise en scène particulière. Alors pour vous interroger sur le conformisme, faites comme moi, allez voir ce film...
Début 2006, dans ces mêmes colonnes, je vous parlais de « Jarhead », film sur la guerre en Irak, également réalisé par Sam Mendes, réalisateur anglais d’exception. Trois ans après, il revient au sommet de son art avec « Les noces Rebelles ». Et au cas où vous me poseriez la question…oui je suis un inconditionnel de Sam Mendes et non je n’allais pas rater l’occasion d’en reparler.
Le réalisateur est surtout connu pour son premier film, et non des moindres, « American Beauty » dans lequel il traitait avec cynisme et humour une tragi-comédie familiale dans une banlieue américaine contemporaine.
Cette fois-ci, pour son quatrième film, il nous plonge dans l’Amérique des années 1950 et s’interroge sur le conformisme. Un jeune couple s’installe dans une petite banlieue verte de New York. Ils sont perçus par leurs voisins comme un couple exceptionnel, capable de grandes choses…mais les apparences sont souvent trompeuses. En réalité, ils sont ordinaires, tout ce qu’il y a de plus ordinaire, et c’est bien là tout le drame…
« Les noces rebelles » (« Revolutionnary Road » en anglais, nom de la rue où vivent les époux) et encore plus tragique et cynique que son aîné, American Beauty. La force du film réside dans la somme de ses contributions, car être un bon réalisateur signifie aussi, et surtout diront certains, s’avoir s’entourer. On peut dire qu’ici, Mendes fait très fort. Chacun apporte son savoir-faire et concourt à construire une œuvre dont l’aspect reflète parfaitement son propos.
Pour la lumière et l’image, comme dans « Jarhead », il a fait appel à l’un des chefs opérateur le plus connu d’Hollywood : Roger Deakins. Ce nom ne vous dit peut-être rien, mais Deakins a travaillé, entre autres, sur tous les films des frères Coen, dont « No Country for Old men » ou « The Barber », sur « Les Evadés », sur « Un homme d’exception » ou sur « L’assassinat de Jesse James ». Il insuffle au film un esthétisme dont il a le secret, où chaque plan est millimétré, où les couleurs pâles sont troublantes et fait transparaître par l’image le conformisme des personnages et de toute une époque. La scène d’arrivée de tous les travailleurs, tous coiffés d’un chapeau et affublés du même costume, à la gare de Grand Central de New York est un monument.
Pour la musique, comme on ne change pas une équipe qui gagne, Thomas Newman le compositeur de la bande originale de « American Beauty » est présent. Il contribue lui aussi à donner au film une ambiance feutrée et calme, seulement en apparence, en utilisant un thème au piano, simple mais évocateur.
De plus, Sam Mendes a réussi à réunir Kate Winslet, sa femme dans la vie, et Leornado DiCaprio après leur succès mondial dans Titanic. D’ailleurs, le réalisateur s’est permis un petit clin d’œil au film de James Cameron, que je vous laisse découvrir et savourer.
Kate Winslet, en femme au foyer désespérée (mais qui a dit « desperate housewives » ?) est plus que sensationnelle. D’ailleurs sa prestation, tout en subtilité et maturité, lui a valu le Golden Globe de la meilleure actrice. Cérémonie dans laquelle « Valse avec Bashir » a d’ailleurs remporté le prix du meilleur film étranger. Quant à DiCaprio, il n’est pas en reste, même si sa prestation est quelque peu éclipsée par celle de Kate Winslet. En fait, les seconds rôles vaudraient à eux seuls le détour, mais pour ne pas vous gâcher le plaisir, je n’en dirais pas plus.
Vous l’aurez peut-être compris, « Les noces rebelles » excellent là où ses personnages pèchent, par un soucis du détail, un ton acerbe et une mise en scène particulière. Alors pour vous interroger sur le conformisme, faites comme moi, allez voir ce film...
Singin In The Rain
Du 19 novembre 2008 au 6 juillet 2009, le cinéma Reflet Médicis créé l’événement, en regroupant et projetant les « 100 plus beaux films de l’histoire du cinéma ». Cette manifestation cinématographique hors du commun nous offre la possibilité de découvrir ou redécouvrir les plus grands classiques du cinéma, dont mon choix de ce mois-ci, « Chantons sous la pluie » de Stanley Donen et Gene Kelly…
…« I'm singing in the rain
Just singing in the rain
What a glorious feelin'
I'm happy again »…
En ces périodes de fêtes, de crise et de temps capricieux, la reprise en salle de cette comédie musicale unique bénéficie, comme les chorégraphies de Gene Kelly, d’un timing parfait. Pour éviter le froid, la pluie, les files d’attentes en caisse, les attroupements devant les vitrines, il est temps d’apprécier à sa juste valeur ce qui pourrait bien être la meilleure comédie musicale jamais réalisée.
« Chantons sous la pluie » est un déluge de perfection, une tempête de bonheur, une œuvre intemporelle qui plus de 50 ans après sa sortie n’a pas pris une ride. Les trois personnages principaux, joués par Gene Kelly, Donald O’Connor et Debbie Reynolds sont tous parfaits tant dans leur jeu que dans leur chorégraphie orchestrée de main de maître par Gene Kelly lui-même. Le film est également une comédie satirique sur le passage du film muet au parlant (ou « Talkie »). Mais surtout, il décrit sans complaisance et sans pitié le monde d’Hollywood. Et c’est bien là ce qui est fascinant et ironique, car cela était relayé en coulisse.
En effet, Gene Kelly se comportait, d’après les personnes qui travaillaient avec lui à l’époque, comme un réel tyran. On raconte qu’il était si dur qu’il fit pleurer Debbie Reynolds alors que celle-ci n’avait que vingt ans. Heureusement pour elle, Fred Astaire, qui se trouvait par hasard dans les studios, réconforta la jeune Debbie et l’aida pour sa prochaine scène de danse.
Les journées de travail pouvaient durer jusqu’à 19 heures et Debbie Reynolds qui vivait encore chez ses parents devait se lever à 4 heures du matin pour faire le trajet jusqu’à Hollywood ! Elle avoua d’ailleurs quelques années après, que le tournage de ce film et son accouchement fut les deux expériences les plus éprouvantes de son existence. C’est aussi cette comédie qui lança réellement sa carrière, à l’instar de son personnage.
Quant à Donald O’Connor, à la suite de la réalisation d’une scène très éprouvante durant laquelle il effectue des saltos, il resta cloué au lit pendant une semaine. Malheureusement pour lui la pellicule fut détruite, mais en grand professionnel, et motivé sûrement par le fait qu’il était terrorisé par Gene Kelly, il décida de refaire la scène.
Enfin, Gene Kelly ne fit pas non plus épargné : quand il tourna la scène mythique de la chanson éponyme, il souffrait d’une très forte fièvre, et la fausse pluie reconstituée à l’aide d’eau et de lait fit rétrécir son costume en laine !
Toutes ces anecdotes en marge du film contribuent à faire de ce film une « réelle légende », un oxymore qui fait écho à l’antagonisme du titre… qui aurait en effet envie de chanter sous la pluie ? Et pour être tout à fait franc avec vous, je dois vous avouer que c’était la première fois que je le voyais. D’ailleurs « Chantons sous la pluie » m’a réchauffé en cette fin d’année, durant laquelle la terre a beaucoup pleuré…
…« I'm singing in the rain
Just singing in the rain
What a glorious feelin'
I'm happy again »…
En ces périodes de fêtes, de crise et de temps capricieux, la reprise en salle de cette comédie musicale unique bénéficie, comme les chorégraphies de Gene Kelly, d’un timing parfait. Pour éviter le froid, la pluie, les files d’attentes en caisse, les attroupements devant les vitrines, il est temps d’apprécier à sa juste valeur ce qui pourrait bien être la meilleure comédie musicale jamais réalisée.
« Chantons sous la pluie » est un déluge de perfection, une tempête de bonheur, une œuvre intemporelle qui plus de 50 ans après sa sortie n’a pas pris une ride. Les trois personnages principaux, joués par Gene Kelly, Donald O’Connor et Debbie Reynolds sont tous parfaits tant dans leur jeu que dans leur chorégraphie orchestrée de main de maître par Gene Kelly lui-même. Le film est également une comédie satirique sur le passage du film muet au parlant (ou « Talkie »). Mais surtout, il décrit sans complaisance et sans pitié le monde d’Hollywood. Et c’est bien là ce qui est fascinant et ironique, car cela était relayé en coulisse.
En effet, Gene Kelly se comportait, d’après les personnes qui travaillaient avec lui à l’époque, comme un réel tyran. On raconte qu’il était si dur qu’il fit pleurer Debbie Reynolds alors que celle-ci n’avait que vingt ans. Heureusement pour elle, Fred Astaire, qui se trouvait par hasard dans les studios, réconforta la jeune Debbie et l’aida pour sa prochaine scène de danse.
Les journées de travail pouvaient durer jusqu’à 19 heures et Debbie Reynolds qui vivait encore chez ses parents devait se lever à 4 heures du matin pour faire le trajet jusqu’à Hollywood ! Elle avoua d’ailleurs quelques années après, que le tournage de ce film et son accouchement fut les deux expériences les plus éprouvantes de son existence. C’est aussi cette comédie qui lança réellement sa carrière, à l’instar de son personnage.
Quant à Donald O’Connor, à la suite de la réalisation d’une scène très éprouvante durant laquelle il effectue des saltos, il resta cloué au lit pendant une semaine. Malheureusement pour lui la pellicule fut détruite, mais en grand professionnel, et motivé sûrement par le fait qu’il était terrorisé par Gene Kelly, il décida de refaire la scène.
Enfin, Gene Kelly ne fit pas non plus épargné : quand il tourna la scène mythique de la chanson éponyme, il souffrait d’une très forte fièvre, et la fausse pluie reconstituée à l’aide d’eau et de lait fit rétrécir son costume en laine !
Toutes ces anecdotes en marge du film contribuent à faire de ce film une « réelle légende », un oxymore qui fait écho à l’antagonisme du titre… qui aurait en effet envie de chanter sous la pluie ? Et pour être tout à fait franc avec vous, je dois vous avouer que c’était la première fois que je le voyais. D’ailleurs « Chantons sous la pluie » m’a réchauffé en cette fin d’année, durant laquelle la terre a beaucoup pleuré…
The Visitor
« The Visitor » : l’histoire de destins qui se rejoignent et qui s’unissent au son de l’amitié et des rythmes des djembés (Instrument de percussion africain en forme de calice). Un récit touchant qui sait évoquer, avec sensibilité, des sujets actuels et dramatiques.
…Imaginez alors la carte des Etats-Unis, tous ces états réunis dans la diversité, un puzzle de civilisation…
Le protagoniste est un professeur vieillissant, seul depuis le décès de sa femme, dont l’envie de travailler l’a également abandonné. Pour présenter une étude lors d’une conférence, le professeur Walter Vale doit se rendre à New York où il possède un appartement dans lequel il ne vit plus. Il va découvrir qu’un couple d’immigrés s’y est installé, mais il va vite se rendre compte que leur compagnie lui apporterait un peu de chaleur dans sa vie maussade.
La femme, Zainab, est sénégalaise et vend des bijoux ethniques qu’elle a elle-même confectionnés. Quant à l’homme, Tarek, il est syrien et musicien, il joue du djembé. Alors que ses tentatives d’apprentissage du piano ont toutes échoué, Walter va réussir à maîtriser la finesse et le charme du djembé grâce aux conseils de Tarek. La grande richesse de timbre de cet instrument va faire écho à l’atmosphère d’échange et de mélange du film.
Plusieurs pièces qui s’assemblent sous un destin commun, le puzzle est donc assemblé. À une seule différence, quand on est immigré illégal, on est en quelque sorte, la pièce de trop. Arrêté et placé en détention, Tarek est alors sous la menace de l’expulsion (« Deportation » en anglais). Le professeur Vale, rongé par la solitude, par l’ennui et surtout par la culpabilité va tout faire pour l’aider à s’en sortir face à l’incompréhension et au manque de dialogue de l’administration américaine.
Le réalisateur arrive à faire passer un message émouvant sur des thèmes tels que l’immigration clandestine, la solitude, le métissage et l’amitié. Tout ceci est dépeint avec une grande pudeur et subtilité, où les moments de silence parlent aussi fort que les percussions des djembés. On notera enfin l’apparition très remarquée de l’actrice israélienne, Hiam Abbass, héroïne des « Citronniers », qui interprète très joliment la mère de Tarek.
Et quoi de plus actuel qu’un film sur l’immigration aux Etats-Unis à l’heure de l’élection de Barack Obama ? Alors, pour découvrir un film merveilleux, franchissez le pas et dirigez vous vers l’inattendu, vers l’espoir, vers le métissage…
…Imaginez alors la carte des Etats-Unis, tous ces états réunis dans la diversité, un puzzle de civilisation…
Le protagoniste est un professeur vieillissant, seul depuis le décès de sa femme, dont l’envie de travailler l’a également abandonné. Pour présenter une étude lors d’une conférence, le professeur Walter Vale doit se rendre à New York où il possède un appartement dans lequel il ne vit plus. Il va découvrir qu’un couple d’immigrés s’y est installé, mais il va vite se rendre compte que leur compagnie lui apporterait un peu de chaleur dans sa vie maussade.
La femme, Zainab, est sénégalaise et vend des bijoux ethniques qu’elle a elle-même confectionnés. Quant à l’homme, Tarek, il est syrien et musicien, il joue du djembé. Alors que ses tentatives d’apprentissage du piano ont toutes échoué, Walter va réussir à maîtriser la finesse et le charme du djembé grâce aux conseils de Tarek. La grande richesse de timbre de cet instrument va faire écho à l’atmosphère d’échange et de mélange du film.
Plusieurs pièces qui s’assemblent sous un destin commun, le puzzle est donc assemblé. À une seule différence, quand on est immigré illégal, on est en quelque sorte, la pièce de trop. Arrêté et placé en détention, Tarek est alors sous la menace de l’expulsion (« Deportation » en anglais). Le professeur Vale, rongé par la solitude, par l’ennui et surtout par la culpabilité va tout faire pour l’aider à s’en sortir face à l’incompréhension et au manque de dialogue de l’administration américaine.
Le réalisateur arrive à faire passer un message émouvant sur des thèmes tels que l’immigration clandestine, la solitude, le métissage et l’amitié. Tout ceci est dépeint avec une grande pudeur et subtilité, où les moments de silence parlent aussi fort que les percussions des djembés. On notera enfin l’apparition très remarquée de l’actrice israélienne, Hiam Abbass, héroïne des « Citronniers », qui interprète très joliment la mère de Tarek.
Et quoi de plus actuel qu’un film sur l’immigration aux Etats-Unis à l’heure de l’élection de Barack Obama ? Alors, pour découvrir un film merveilleux, franchissez le pas et dirigez vous vers l’inattendu, vers l’espoir, vers le métissage…
Entre Les Murs
« Entre les murs » et Entre les gouttes…
Laurent Cantet réalise en effet l’exploit de se mouiller tout en passant entre les gouttes…
Pour éviter toute confusion, disons-le tout de suite : « Entre les murs » de Laurent Cantet est un film résolument réussi.
La force du film réside principalement dans la capacité de Laurent Cantet à éviter les écueils. Le film n’est ni démagogue, ni moralisateur et ne colporte aucun des clichés qui auraient pu rendre son propos indigeste. A l’inverse, le film est ultra réaliste et sincère aidé par une mise en scène minimaliste.
Certains reprochent d’ailleurs au film d’être trop proche du documentaire. N’est-ce pas là concrètement une preuve que le film marche et que l’on y croit ? Reprocherait-on à une peinture d’être trop réaliste ? Le film gagne, à l’instar d’une toile de Gustave Courbet, en authenticité. « Entre les murs » nous touche par sa simplicité et son rejet du romantisme. Le professeur, interprété très justement par François Bégaudeau, ne porte pas la figure du sauveur d’âme perdu ou du pourvoyeur de bon sentiment, comme Robin Williams avait pu l’être dans « Le cercle des poètes disparus ».
François Bégaudeau est également l’auteur du roman éponyme qui a donné naissance au scénario du film de Cantet. Ce livre s’inspirait de l’expérience personnelle de Bégaudeau qui était lui-même enseignant avant de s’essayer à la comédie. Cela l’a surement aidé à développer ce rôle sur mesure, d’un professeur de français essayant d’inculquer un savoir en perdition.
Le film est donc porté par son acteur principal ainsi que par les élèves du collège Françoise Dolto du 20ème arrondissement de Paris. Il est intéressant de noter qu’ils ont tous suivi des cours d’improvisation pour mieux jouer leur propre rôle.
La caméra reste entre les murs de la classe et du collège mais les problèmes évoqués, de l’illettrisme à la situation irrégulière des parents en passant par une jeunesse en manque de repères sociaux, dépassent largement le cadre de l’école. Cependant, le réalisateur circonscrit également très bien les raisons, ou tout au moins les manifestations, de l’échec de notre système scolaire. Le réalisateur a pris le risque de placer le spectateur entre les murs pendant près de deux heures tout en lui laissant son libre arbitre quant aux possibles solutions pour sortir notre école de l’impasse.
De plus, on ne peut évoquer la palme d’or sans évoquer le festival de Cannes. Le niveau relativement moyen des dernières palmes a remis en cause le système Cannois. En effet, très récemment la palme d’or a été décerné à « Fahrenheit 9/11 », pamphlet sans relief de Michael Moore contre l’Amérique de George W Bush, ou au très ennuyeux « Elephant » de Gus Van Sant ou encore à « L’enfant » des frères Dardenne ou enfin à « 4 mois, 3 semaines et 2 jours », un film roumain qui n’a pas rencontré un grand succès.
Enfin, il est également incohérent, et oui j’en parle encore, que « Valse avec Bachir » se soit vue refuser une récompense en raison de son aspect documentaire, alors qu’ «Entre les murs » obtenait la récompense suprême. Néanmoins, cela n’enlève rien au mérite de Laurent Cantet et à la réussite de son film. Et à ceux qui disent que « cela ne vaut pas une palme », et je les rejoins dans un sens, je leur demanderais une définition d’un « film à palme ». D’ailleurs pour gagner, il suffit de battre le second, et quand on voit le niveau de Gomorra (grand prix du jury à Cannes)…
Alors, pour un voyage entre les murs, enfermez-vous dans une salle noire et prêtez l’oreille à « Entre les murs »…
Laurent Cantet réalise en effet l’exploit de se mouiller tout en passant entre les gouttes…
Pour éviter toute confusion, disons-le tout de suite : « Entre les murs » de Laurent Cantet est un film résolument réussi.
La force du film réside principalement dans la capacité de Laurent Cantet à éviter les écueils. Le film n’est ni démagogue, ni moralisateur et ne colporte aucun des clichés qui auraient pu rendre son propos indigeste. A l’inverse, le film est ultra réaliste et sincère aidé par une mise en scène minimaliste.
Certains reprochent d’ailleurs au film d’être trop proche du documentaire. N’est-ce pas là concrètement une preuve que le film marche et que l’on y croit ? Reprocherait-on à une peinture d’être trop réaliste ? Le film gagne, à l’instar d’une toile de Gustave Courbet, en authenticité. « Entre les murs » nous touche par sa simplicité et son rejet du romantisme. Le professeur, interprété très justement par François Bégaudeau, ne porte pas la figure du sauveur d’âme perdu ou du pourvoyeur de bon sentiment, comme Robin Williams avait pu l’être dans « Le cercle des poètes disparus ».
François Bégaudeau est également l’auteur du roman éponyme qui a donné naissance au scénario du film de Cantet. Ce livre s’inspirait de l’expérience personnelle de Bégaudeau qui était lui-même enseignant avant de s’essayer à la comédie. Cela l’a surement aidé à développer ce rôle sur mesure, d’un professeur de français essayant d’inculquer un savoir en perdition.
Le film est donc porté par son acteur principal ainsi que par les élèves du collège Françoise Dolto du 20ème arrondissement de Paris. Il est intéressant de noter qu’ils ont tous suivi des cours d’improvisation pour mieux jouer leur propre rôle.
La caméra reste entre les murs de la classe et du collège mais les problèmes évoqués, de l’illettrisme à la situation irrégulière des parents en passant par une jeunesse en manque de repères sociaux, dépassent largement le cadre de l’école. Cependant, le réalisateur circonscrit également très bien les raisons, ou tout au moins les manifestations, de l’échec de notre système scolaire. Le réalisateur a pris le risque de placer le spectateur entre les murs pendant près de deux heures tout en lui laissant son libre arbitre quant aux possibles solutions pour sortir notre école de l’impasse.
De plus, on ne peut évoquer la palme d’or sans évoquer le festival de Cannes. Le niveau relativement moyen des dernières palmes a remis en cause le système Cannois. En effet, très récemment la palme d’or a été décerné à « Fahrenheit 9/11 », pamphlet sans relief de Michael Moore contre l’Amérique de George W Bush, ou au très ennuyeux « Elephant » de Gus Van Sant ou encore à « L’enfant » des frères Dardenne ou enfin à « 4 mois, 3 semaines et 2 jours », un film roumain qui n’a pas rencontré un grand succès.
Enfin, il est également incohérent, et oui j’en parle encore, que « Valse avec Bachir » se soit vue refuser une récompense en raison de son aspect documentaire, alors qu’ «Entre les murs » obtenait la récompense suprême. Néanmoins, cela n’enlève rien au mérite de Laurent Cantet et à la réussite de son film. Et à ceux qui disent que « cela ne vaut pas une palme », et je les rejoins dans un sens, je leur demanderais une définition d’un « film à palme ». D’ailleurs pour gagner, il suffit de battre le second, et quand on voit le niveau de Gomorra (grand prix du jury à Cannes)…
Alors, pour un voyage entre les murs, enfermez-vous dans une salle noire et prêtez l’oreille à « Entre les murs »…
La Mafia
La famille reste ce qu’il y a de plus important. Dans la Mafia, on peut même la choisir…
Des « Affranchis » à « Gomorra » : La Mafia dans tous ses états…
Cette rentrée est marquée par le retour au premier plan de la Mafia, organisation criminelle occulte, née dans le sud de l’Italie, et exportée aux Etats-Unis.
« Les Affranchis », chef d’œuvre de Martin Scorsese sorti en 1990, ressort en salle pour notre plus grand bonheur, et surtout le mien. Vieux de 18 ans, ce film arrive à pleine maturité…et n’a pas pris une ride. Quant à « Gomorra », film italien de Mateo Garrone, Grand Prix du jury à Cannes en 2008 et actuellement en salle, il a des quoi décevoir les amoureux du genre…moi par exemple.
Le film de Gangster: un genre à part entière…
Il est vrai que les films traitant de la Mafia, et surtout des Mafiosi, ont toujours romancé la figure du gangster. De plus, que ce soit « Scarface » de Brian de Palma, « Les Affranchis » de Scorsese, ou même le plus récent « American Gangster » de Ridley Scott, ces films de genre suivent tous le même schéma narratif. En effet, tout commence par une lente progression du personnage principal, parti de rien, qui arrive à la gloire et fortune à la force de ses mots et de ses poings. Une fois au sommet, la chute est inévitable et l’issue tragique... Dans la même veine, on peut citer la trilogie des « Parrains » de Coppola ou « Il était une fois le Bronx » de Robert de Niro…
Cependant, bien que cela puisse paraître répétitif ou attendu, on s’est habitué bien malgré nous à cette narration si particulière. « Gomorra », dans son style quasi-documentaire, tente de réécrire les codes du genre, et ce, sans grand succès. Le sujet de base est la Camorra, organisation mafieuse napolitaine, spécialisée dans le trafic de déchets, le trafic de drogue, la contrebande et diverses autres extorsions. Tant d’éléments qui auraient pu en faire un bon film…
Des Scorsese à Garrone : le maître et l’élève…
Pourquoi « Les Affranchis » est considéré comme le meilleur film sur la Mafia et l’un des meilleurs films de l’histoire?
Tout d’abord, grâce à la parfaite maîtrise de Martin Scorsese de son sujet : l’univers de la mafia italo-américaine à Brooklyn. Puis, on apprécie les acteurs aux jeux et aux noms plus vrais que nature : Robert de Niro, Joe Pesci et Ray Liotta. Ensuite, on se délecte des dialogues à couteaux tirés et aux accents italiens…à couper au couteau. Enfin, on adore suivre un vrai récit, inspiré de faits réels, qui sans surprendre vous tient en haleine du début à la fin.
Alors, pourquoi la sauce napolitaine ne prend pas dans « Gomorra » ?
Mateo Garrone connaît très bien le système de la Camorra. Le problème est que pour le spectateur moins informé, cela est bien moins évident. On se perd trop facilement dans diverses histoires décousues, sans réel lien entre elles, et on se demande continuellement le rôle de chaque personnage. De même, les mouvements de caméra, style documentaire, n’apportent au final pas grand chose à la force du film. On attend… parfois on essaie de comprendre… et souvent on s’ennuie. La Camorra est une organisation occulte qui le reste bien malheureusement aux yeux du spectateur…
On regrette une fois de plus que le jury de Cannes ait préféré récompenser un film très moyen au lieu de primer le magnifique film Israélien : Valse avec Bashir…
Des « Affranchis » à « Gomorra » : La Mafia dans tous ses états…
Cette rentrée est marquée par le retour au premier plan de la Mafia, organisation criminelle occulte, née dans le sud de l’Italie, et exportée aux Etats-Unis.
« Les Affranchis », chef d’œuvre de Martin Scorsese sorti en 1990, ressort en salle pour notre plus grand bonheur, et surtout le mien. Vieux de 18 ans, ce film arrive à pleine maturité…et n’a pas pris une ride. Quant à « Gomorra », film italien de Mateo Garrone, Grand Prix du jury à Cannes en 2008 et actuellement en salle, il a des quoi décevoir les amoureux du genre…moi par exemple.
Le film de Gangster: un genre à part entière…
Il est vrai que les films traitant de la Mafia, et surtout des Mafiosi, ont toujours romancé la figure du gangster. De plus, que ce soit « Scarface » de Brian de Palma, « Les Affranchis » de Scorsese, ou même le plus récent « American Gangster » de Ridley Scott, ces films de genre suivent tous le même schéma narratif. En effet, tout commence par une lente progression du personnage principal, parti de rien, qui arrive à la gloire et fortune à la force de ses mots et de ses poings. Une fois au sommet, la chute est inévitable et l’issue tragique... Dans la même veine, on peut citer la trilogie des « Parrains » de Coppola ou « Il était une fois le Bronx » de Robert de Niro…
Cependant, bien que cela puisse paraître répétitif ou attendu, on s’est habitué bien malgré nous à cette narration si particulière. « Gomorra », dans son style quasi-documentaire, tente de réécrire les codes du genre, et ce, sans grand succès. Le sujet de base est la Camorra, organisation mafieuse napolitaine, spécialisée dans le trafic de déchets, le trafic de drogue, la contrebande et diverses autres extorsions. Tant d’éléments qui auraient pu en faire un bon film…
Des Scorsese à Garrone : le maître et l’élève…
Pourquoi « Les Affranchis » est considéré comme le meilleur film sur la Mafia et l’un des meilleurs films de l’histoire?
Tout d’abord, grâce à la parfaite maîtrise de Martin Scorsese de son sujet : l’univers de la mafia italo-américaine à Brooklyn. Puis, on apprécie les acteurs aux jeux et aux noms plus vrais que nature : Robert de Niro, Joe Pesci et Ray Liotta. Ensuite, on se délecte des dialogues à couteaux tirés et aux accents italiens…à couper au couteau. Enfin, on adore suivre un vrai récit, inspiré de faits réels, qui sans surprendre vous tient en haleine du début à la fin.
Alors, pourquoi la sauce napolitaine ne prend pas dans « Gomorra » ?
Mateo Garrone connaît très bien le système de la Camorra. Le problème est que pour le spectateur moins informé, cela est bien moins évident. On se perd trop facilement dans diverses histoires décousues, sans réel lien entre elles, et on se demande continuellement le rôle de chaque personnage. De même, les mouvements de caméra, style documentaire, n’apportent au final pas grand chose à la force du film. On attend… parfois on essaie de comprendre… et souvent on s’ennuie. La Camorra est une organisation occulte qui le reste bien malheureusement aux yeux du spectateur…
On regrette une fois de plus que le jury de Cannes ait préféré récompenser un film très moyen au lieu de primer le magnifique film Israélien : Valse avec Bashir…
Billy Wilder
Samuel « Billy » Wilder : « Ce que je hais plus que ne pas être pris au sérieux, c’est d’être pris trop au sérieux »….
Ce mois-ci, peu de films projetés en salle m’ont passionné. J’ai donc décidé de vous faire partager mon admiration pour le réalisateur Billy Wilder…et ce, pour d’autres raisons que le fait qu’il était juif et qu’il ait entamé des études de droit…
Billy Wilder est né en Autriche-Hongrie en 1906 et suivit des cours de journalisme à l’université de Vienne. Après avoir abandonné ses études, il décida de déménager à Berlin pour travailler en tant que journaliste. Il développa un certain intérêt pour le cinéma et commença à écrire des scénarii pour de nombreux films allemands.
Avec la montée du nazisme et étant d’origine juive, il décida de quitter l’Allemagne pour la France et enfin les Etats-Unis. Billy Wilder tenta plusieurs de fois d’entrer sur le territoire américain mais en vain. Sur le point de perdre tout espoir il tenta un nouveau bureau d’immigration, l’officier de l’immigration lui demanda alors son métier. Billy répondit qu’il était réalisateur, l’officier, alors qu’il l’autorisait à entrer aux Etats-Unis, lui répondit : « Faites-en des bons ! ». Un conseil qui sera pris au pied de la lettre…
Wilder arrive donc à Hollywood en 1933 mais n’établit sa réputation en tant que réalisateur qu’en 1943 avec « Assurance sur la mort », considéré par certains comme le premier film noir. Il va mettre au point les codes du genre, comme l’éclairage à travers des stores vénitiens ou l’utilisation d’une voix-off. Soixante-cinq ans après sa sortie, ce film garde toute sa force et son intérêt et Barbara Stanwyck en femme fatale vaut toujours le détour…
Un film peut être un peu moins connu, mais que je recommande tout aussi chaudement est « Témoin à Charge ». Inspiré d’une pièce d’Agatha Christie, Billy Wilder s’attaque en 1958 à la réalisation d’un film policier. Il est dur d’en parler sans en raconter l’intrigue principale, mais sachez que Marlene Dietrich, témoignant contre son mari accusé de meurtre, vous fera froid dans le dos…
Après le froid le chaud : en 1959, Billy Wilder réalise l’un de ses plus gros succès avec la comédie « Certains l’aiment chaud ». S’il avait pressenti Franck Sinatra dans le rôle principal pour accompagner Tony Curtis et Marilyne Monroe, c’est bien Jack Lemmon qui obtiendra le rôle. Wilder réussira à convaincre ses deux acteurs à se déguiser en femme tout au long du film, mais la réelle difficulté sera de diriger Marilyne. Billy Wilder déclarera après le tournage qu’il est désormais trop riche et trop vieux pour tourner une fois de plus avec Marilyne. Résultat : la meilleur comédie de tous les temps…
Le talent de Wilder est d’avoir exceller dans tous les genres, même s’il restera connu principalement pour ses comédies caustiques et satiriques comme « La garçonnière », « Sunset Boulevard » ou « Irma la douce ». Billy Wilder a pris sa retraite des plateaux en 1981… deux ans avant ma naissance. Il voulut réaliser « La liste de Schindler » en 1993, auquel il avait participé à l’écriture, mais Spielberg préférera le réaliser seul. Il tirera définitivement sa révérence en 2002 et continuera à émerveiller et à amuser de nombreuses générations. Pour preuve, sur sa stèle est inscrit : « I’m a writer but then nobody’s perfect* ».
* : Référence à la dernière réplique de certains l’aiment chaud.
« - Vous ne comprenez pas Osgood…. Je suis un homme !
Ce mois-ci, peu de films projetés en salle m’ont passionné. J’ai donc décidé de vous faire partager mon admiration pour le réalisateur Billy Wilder…et ce, pour d’autres raisons que le fait qu’il était juif et qu’il ait entamé des études de droit…
Billy Wilder est né en Autriche-Hongrie en 1906 et suivit des cours de journalisme à l’université de Vienne. Après avoir abandonné ses études, il décida de déménager à Berlin pour travailler en tant que journaliste. Il développa un certain intérêt pour le cinéma et commença à écrire des scénarii pour de nombreux films allemands.
Avec la montée du nazisme et étant d’origine juive, il décida de quitter l’Allemagne pour la France et enfin les Etats-Unis. Billy Wilder tenta plusieurs de fois d’entrer sur le territoire américain mais en vain. Sur le point de perdre tout espoir il tenta un nouveau bureau d’immigration, l’officier de l’immigration lui demanda alors son métier. Billy répondit qu’il était réalisateur, l’officier, alors qu’il l’autorisait à entrer aux Etats-Unis, lui répondit : « Faites-en des bons ! ». Un conseil qui sera pris au pied de la lettre…
Wilder arrive donc à Hollywood en 1933 mais n’établit sa réputation en tant que réalisateur qu’en 1943 avec « Assurance sur la mort », considéré par certains comme le premier film noir. Il va mettre au point les codes du genre, comme l’éclairage à travers des stores vénitiens ou l’utilisation d’une voix-off. Soixante-cinq ans après sa sortie, ce film garde toute sa force et son intérêt et Barbara Stanwyck en femme fatale vaut toujours le détour…
Un film peut être un peu moins connu, mais que je recommande tout aussi chaudement est « Témoin à Charge ». Inspiré d’une pièce d’Agatha Christie, Billy Wilder s’attaque en 1958 à la réalisation d’un film policier. Il est dur d’en parler sans en raconter l’intrigue principale, mais sachez que Marlene Dietrich, témoignant contre son mari accusé de meurtre, vous fera froid dans le dos…
Après le froid le chaud : en 1959, Billy Wilder réalise l’un de ses plus gros succès avec la comédie « Certains l’aiment chaud ». S’il avait pressenti Franck Sinatra dans le rôle principal pour accompagner Tony Curtis et Marilyne Monroe, c’est bien Jack Lemmon qui obtiendra le rôle. Wilder réussira à convaincre ses deux acteurs à se déguiser en femme tout au long du film, mais la réelle difficulté sera de diriger Marilyne. Billy Wilder déclarera après le tournage qu’il est désormais trop riche et trop vieux pour tourner une fois de plus avec Marilyne. Résultat : la meilleur comédie de tous les temps…
Le talent de Wilder est d’avoir exceller dans tous les genres, même s’il restera connu principalement pour ses comédies caustiques et satiriques comme « La garçonnière », « Sunset Boulevard » ou « Irma la douce ». Billy Wilder a pris sa retraite des plateaux en 1981… deux ans avant ma naissance. Il voulut réaliser « La liste de Schindler » en 1993, auquel il avait participé à l’écriture, mais Spielberg préférera le réaliser seul. Il tirera définitivement sa révérence en 2002 et continuera à émerveiller et à amuser de nombreuses générations. Pour preuve, sur sa stèle est inscrit : « I’m a writer but then nobody’s perfect* ».
* : Référence à la dernière réplique de certains l’aiment chaud.
« - Vous ne comprenez pas Osgood…. Je suis un homme !
La 80ème cérémonie des Oscars
Ce moi-ci, j’ai décidé de vous présenter quatre des cinq films en compétition aux Oscars, qui se dérouleront cette année le 24 février, le dernier « There will be blood » n’étant pas encore sortie en France.
1) « No Country for Old Men »
De : Joel & Ethan Coen
Sortie française : 23 Janvier 2008
Note : 8/10
Certainement le plus réussi des films des frères Coen, « No Country for Old men » ou « Non, ce pays n’est pas pour le vieil homme » est le favori pour remporter la statuette dorée. On y retrouve tous les ingrédients d’un bon film des Coen…en mieux : des personnages triturés et fouillés, des dialogues décalés et une direction d’acteurs parfaite. Les grandes étendues du Texas permettent à tous ces éléments de se mettre en place… calmement et magistralement. Une mise en scène imperturbable et implacable à l’image de Javier Bardem dans le rôle du tueur froid et diabolique à la recherche d’une valise pleine de billets verts. Du vrai Cinéma…
2) « Michael Clayton »
De : Tony Gilroy
Sortie française : 17 Octobre 2007
Note : 7/10
Un bon thriller engagé dans le milieu des gros cabinets d’avocats américains. Si parfois on se perd dans les méandres du scénario, l’ensemble reste très solide. De même, la bande son permet de maintenir l’intensité quand l’intrigue s’essouffle. De son côté George Clooney, troque son costume de beau gosse flegmatique pour délivrer une performance sombre et puissante dans la lignée de « Good Night, Good Luck » et « Syriana ». Le spectateur partage le trouble qui gagne le protagoniste quant à sa réelle identité ou fonction. Un bon film…
3) « Juno »
De : Jason Reitman
Sortie française : 06 Février 2008
Note : 7/10
« Juno », du nom du personnage principal, est une comédie pleine de vie et d’humanité. C’est l’histoire de Juno, jeune fille de 16 ans, qui tombe enceinte et qui va tenter de grandir et murir au rythme de sa grossesse. Le film est parfois drôle, parfois émouvant, mais toujours juste. « Juno » reste cependant une comédie indépendante sans prétention, qui ne vous laisse qu’un grand sourire après sa projection…ce qui est finalement déjà pas mal.
4) « Reviens-Moi »
De : Joe Wright
Sortie française : 09 Janvier 2008
Note : 5/10
Le réalisateur Joe Wright maitrise incontestablement le maniement de la caméra et les effets de style. En revanche, il est moins à l’aise quand il s’agit de raconter une histoire prenante. Il semble en fait assez difficile de combler les lacunes d’un scénario assez banal par une réalisation léchée. A la décharge de Joe Wright, on peut admirer un plan séquence assez incroyable, de près de cinq minutes (4’53, j’ai compté), sur les plages de Dunkerque au début de la 2ème guerre mondiale.
Finalement, c’est une énième histoire d’amour impossible au pays du pudding, entre une infirmière et un soldat, entre le fils de domestique et la fille de bonne famille. Shakespeare : Reviens-Nous…
5) « There will be blood »
De : Paul Thomas Anderson
Sortie française : 27 Février 2008
1) « No Country for Old Men »
De : Joel & Ethan Coen
Sortie française : 23 Janvier 2008
Note : 8/10
Certainement le plus réussi des films des frères Coen, « No Country for Old men » ou « Non, ce pays n’est pas pour le vieil homme » est le favori pour remporter la statuette dorée. On y retrouve tous les ingrédients d’un bon film des Coen…en mieux : des personnages triturés et fouillés, des dialogues décalés et une direction d’acteurs parfaite. Les grandes étendues du Texas permettent à tous ces éléments de se mettre en place… calmement et magistralement. Une mise en scène imperturbable et implacable à l’image de Javier Bardem dans le rôle du tueur froid et diabolique à la recherche d’une valise pleine de billets verts. Du vrai Cinéma…
2) « Michael Clayton »
De : Tony Gilroy
Sortie française : 17 Octobre 2007
Note : 7/10
Un bon thriller engagé dans le milieu des gros cabinets d’avocats américains. Si parfois on se perd dans les méandres du scénario, l’ensemble reste très solide. De même, la bande son permet de maintenir l’intensité quand l’intrigue s’essouffle. De son côté George Clooney, troque son costume de beau gosse flegmatique pour délivrer une performance sombre et puissante dans la lignée de « Good Night, Good Luck » et « Syriana ». Le spectateur partage le trouble qui gagne le protagoniste quant à sa réelle identité ou fonction. Un bon film…
3) « Juno »
De : Jason Reitman
Sortie française : 06 Février 2008
Note : 7/10
« Juno », du nom du personnage principal, est une comédie pleine de vie et d’humanité. C’est l’histoire de Juno, jeune fille de 16 ans, qui tombe enceinte et qui va tenter de grandir et murir au rythme de sa grossesse. Le film est parfois drôle, parfois émouvant, mais toujours juste. « Juno » reste cependant une comédie indépendante sans prétention, qui ne vous laisse qu’un grand sourire après sa projection…ce qui est finalement déjà pas mal.
4) « Reviens-Moi »
De : Joe Wright
Sortie française : 09 Janvier 2008
Note : 5/10
Le réalisateur Joe Wright maitrise incontestablement le maniement de la caméra et les effets de style. En revanche, il est moins à l’aise quand il s’agit de raconter une histoire prenante. Il semble en fait assez difficile de combler les lacunes d’un scénario assez banal par une réalisation léchée. A la décharge de Joe Wright, on peut admirer un plan séquence assez incroyable, de près de cinq minutes (4’53, j’ai compté), sur les plages de Dunkerque au début de la 2ème guerre mondiale.
Finalement, c’est une énième histoire d’amour impossible au pays du pudding, entre une infirmière et un soldat, entre le fils de domestique et la fille de bonne famille. Shakespeare : Reviens-Nous…
5) « There will be blood »
De : Paul Thomas Anderson
Sortie française : 27 Février 2008
Into The Wild
Into the wild : Chasser la nature, elle revient au galop….
N’en déplaise à notre président , et bien que son nom figure au générique du film (Transportation co-captain : Al Kaminsky*), le cinéma actuel est avant tout américain. Et quel meilleur exemple que Into the Wild, premier film écrit et réalisé par l’acteur Sean Penn.
Pour les non-anglicistes, Into the wild peut être traduit par « dans la nature », et c’est bien dans la nature que l’on est plongé pendant plus de deux heures. Un voyage à travers l’Amérique et ses sites magnifiques et variés, des cartes postales, thème récurrent du film, envoyées de l’Est à l’Ouest des Etats-Unis. La grandeur du film, tant par sa longueur que sa qualité narrative, nous transporte dans un univers où l’homme retrouve sa vraie nature quand il côtoie l’inconnu.
L’histoire est simple, mais pas trop : un jeune diplômé de l’Université d’Emory en Géorgie décide, pour diverses raisons, de tout abandonner pour traverser l’Amérique et rejoindre l’Alaska. Il entreprend une quête initiatique du bonheur et de la liberté qui lui fera découvrir des visages aussi inoubliables que les paysages qu’il contemple.
Guidé par sa soif d’aventurier et son rejet de la société, notre héros préfère les vastes étendues qui le rendent libre au faste affiché par ses parents. Ce film est un road movie hors des sentiers battus, où le seul véhicule qui le transporte…est inherte. De même, les différents personnages qu’il rencontre au fil de ses aventures, du couple hippies au retraité des Marines, éclaireront son passage d’une lumière nouvelle.
Enfin, Sean Penn, fervent opposant à George W Bush n’a pu s’empêcher, et par peur d’anachronisme, de s’en prendre à son père, à la suite de son annonce de la première guerre du Golfe. On lui pardonnera ce mini détour politique, tant les images de l’Amérique qu’il nous a offert sont somptueuses…et c’est avant tout ça l’Amérique.
N’en déplaise à notre président , et bien que son nom figure au générique du film (Transportation co-captain : Al Kaminsky*), le cinéma actuel est avant tout américain. Et quel meilleur exemple que Into the Wild, premier film écrit et réalisé par l’acteur Sean Penn.
Pour les non-anglicistes, Into the wild peut être traduit par « dans la nature », et c’est bien dans la nature que l’on est plongé pendant plus de deux heures. Un voyage à travers l’Amérique et ses sites magnifiques et variés, des cartes postales, thème récurrent du film, envoyées de l’Est à l’Ouest des Etats-Unis. La grandeur du film, tant par sa longueur que sa qualité narrative, nous transporte dans un univers où l’homme retrouve sa vraie nature quand il côtoie l’inconnu.
L’histoire est simple, mais pas trop : un jeune diplômé de l’Université d’Emory en Géorgie décide, pour diverses raisons, de tout abandonner pour traverser l’Amérique et rejoindre l’Alaska. Il entreprend une quête initiatique du bonheur et de la liberté qui lui fera découvrir des visages aussi inoubliables que les paysages qu’il contemple.
Guidé par sa soif d’aventurier et son rejet de la société, notre héros préfère les vastes étendues qui le rendent libre au faste affiché par ses parents. Ce film est un road movie hors des sentiers battus, où le seul véhicule qui le transporte…est inherte. De même, les différents personnages qu’il rencontre au fil de ses aventures, du couple hippies au retraité des Marines, éclaireront son passage d’une lumière nouvelle.
Enfin, Sean Penn, fervent opposant à George W Bush n’a pu s’empêcher, et par peur d’anachronisme, de s’en prendre à son père, à la suite de son annonce de la première guerre du Golfe. On lui pardonnera ce mini détour politique, tant les images de l’Amérique qu’il nous a offert sont somptueuses…et c’est avant tout ça l’Amérique.
Inside Man
Inside Man : quand la fin est censée justifier un film moyen….
Imaginez : après une longue journée de travail, durant laquelle vous n’avez même pas eu le temps de déjeuner, vous rentrez chez vous affamé, assoiffé et épuisé en ne pensant qu’à une seule chose, ouvrir le frigo salvateur. Mais là en ouvrant la porte, anxieusement … vous trouvez deux carottes crues, un navet et aucune bouteille d’eau fraîche. Vous restez fatalement sur votre « faim », car le moment tant attendu, la conclusion de votre journée est finalement loin de vos espérances. Après avoir vu Inside Man, vous aurez exactement ce goût amer dans la bouche : une faim non rassasiée, une soif non épanchée et finalement un sentiment de frustration. Ironie du sort, c’est pour son premier film de commande que Spike Lee n’a pas su honorer.
Spike Lee vous met pourtant l’eau à la bouche tout au long du film à l’aide d’un suspense insoutenable et d’une réalisation impeccable. Au menu : le braquage d’une banque en plein New York, le plan parfait, selon le braqueur lui-même. Le réalisateur a en plus mis les petits plats dans les grands et s’est entouré du gratins de Hollywood : il nous sert sur un plateau Clive Owen, Denzel Washinton et Jodie Foster. Il a en outre pris toutes les précautions pour que l’intrigue finale ne soit pas dévoilée. On se dit donc que la fin, qui est censée être la cerise sur le gâteau, va être surprenante et à la hauteur du reste. Et finalement non… la mayonnaise n’a pas pris. Le dénouement tombe à plat et Inside Man est finalement un bon film à la fin très moyenne.
Que l’on me comprenne bien, ce n’est ni la promotion du film ni la bande annonce qui concourt à cette déception. C’est le film lui-même, construit comme un puzzle intriguant et intelligent, qui une fois les pièces assemblées donne une image plutôt fade. Si vous vous souvenez du Sixième sens ou de Usual Suspect, tout le film est un long cheminement pour arriver à une fin tant surprenante que efficace. Dans Inside Man Spike Lee nous conduit là où il veut, mais malheureusement on aurait préféré prendre le volant. Finalement, le réalisateur est victime de son talent et le film dessert son propre dénouement.
Enfin, Spike Lee saupoudre, comme toujours, son film de messages non subliminaux. Le film d’action n’est peut-être pas le meilleur vecteur à cet effet. Cependant, cela est souvent fait avec humour et paradoxalement cela allège le contenu et le ton du film qui se veut avant tout divertissant.
Si la recette du film aux Etats-Unis est déjà importante (66 Millions de Dollars), et malgré un bon départ en région parisienne, on ne peut qu’être déçu. Vivement la sortie DVD et la possibilité de choisir une fin alternative en bonus.
Jarhead, la fin de l’innocence
Jarhead est un film de guerre. La guerre c’est l’enfer, mais l’attente c’est pire…
Les Français sont très forts quand il s’agit de critiquer nos amis américains, mais dans ce domaine, ils sont encore plus forts que nous. Ce film américain, cette critique américaine sur une guerre américaine, a une grande portée. La critique vient de l’intérieur et c’est encore plus corrosif. La résonance anti-guerre est quant à elle universelle.
Jarhead, troisième film de Sam Mendès après American Beauty et Les sentiers de la perdition relate l’histoire de Marines américains envoyés en Arabie Saoudite lors de la première guerre du Golfe. L’originalité du film réside dans la perspective choisie : montrer les longues périodes d’attente et l’absence totale de combat. Quand le néant a du poids et quand l’inaction et l’attente dépassent l’action…
Rarement on s’est vu autant placé dans le même état psychologique que les personnes portées à l’écran. On arrive à éprouver le même état d’exaspération, d’attente ou d’excitation ressentis par les Marines. Une fois n’est pas coutume, l’ennui et les longueurs ont un sens. On en vient même à vouloir que les soldats finissent, comme on leur avait promis, par « tuer de l’Irakiens ».
Le réalisateur, comme pour ses films précédents, fait preuve d’un humour très noir et les dialogues non châtiés sont à déguster. Mais à savourer en version originale.
De plus, la photographie est soignée et paradoxalement, Mendès arrive à rendre un film de guerre… esthétique. Prouesse mise en valeur par une réalisation « américaine » enlevée et très efficace. La bande son très « guerre du Vietnam » et les acteurs, aussi jeunes que talentueux, renforcent le côté très masculin du film. A noter enfin les différents clins d’œil aux « vrais » films de guerre comme Full Metal Jacket…d’ailleurs le monteur est le même que pour Apocalypse Now.
Le film est quelque peu déroutant pour les habitués du genre qui s’attendent à des combats épiques et un déluge d’hémoglobine. Jarhead est un film de guerre sans guerre. Un film d’action sans action. Une bataille sans ennemi. Jarhead en garde néanmoins toute sa force et si finalement vous vous ennuyez… c’est bon signe.
Les Français sont très forts quand il s’agit de critiquer nos amis américains, mais dans ce domaine, ils sont encore plus forts que nous. Ce film américain, cette critique américaine sur une guerre américaine, a une grande portée. La critique vient de l’intérieur et c’est encore plus corrosif. La résonance anti-guerre est quant à elle universelle.
Jarhead, troisième film de Sam Mendès après American Beauty et Les sentiers de la perdition relate l’histoire de Marines américains envoyés en Arabie Saoudite lors de la première guerre du Golfe. L’originalité du film réside dans la perspective choisie : montrer les longues périodes d’attente et l’absence totale de combat. Quand le néant a du poids et quand l’inaction et l’attente dépassent l’action…
Rarement on s’est vu autant placé dans le même état psychologique que les personnes portées à l’écran. On arrive à éprouver le même état d’exaspération, d’attente ou d’excitation ressentis par les Marines. Une fois n’est pas coutume, l’ennui et les longueurs ont un sens. On en vient même à vouloir que les soldats finissent, comme on leur avait promis, par « tuer de l’Irakiens ».
Le réalisateur, comme pour ses films précédents, fait preuve d’un humour très noir et les dialogues non châtiés sont à déguster. Mais à savourer en version originale.
De plus, la photographie est soignée et paradoxalement, Mendès arrive à rendre un film de guerre… esthétique. Prouesse mise en valeur par une réalisation « américaine » enlevée et très efficace. La bande son très « guerre du Vietnam » et les acteurs, aussi jeunes que talentueux, renforcent le côté très masculin du film. A noter enfin les différents clins d’œil aux « vrais » films de guerre comme Full Metal Jacket…d’ailleurs le monteur est le même que pour Apocalypse Now.
Le film est quelque peu déroutant pour les habitués du genre qui s’attendent à des combats épiques et un déluge d’hémoglobine. Jarhead est un film de guerre sans guerre. Un film d’action sans action. Une bataille sans ennemi. Jarhead en garde néanmoins toute sa force et si finalement vous vous ennuyez… c’est bon signe.
Les Poupées Russes
L’auberge espagnole….5 ans après….Les poupées russes…
Trois ans après la sortie de l’auberge espagnole, Klapisch nous offre la suite des aventures de Xavier, interprété par Romain Duris. Et oui, magie du cinéma, en seulement 3 ans de temps ‘réel’, le personnage de Romain Duris a pris 5 ans: merci Klapisch. Le réalisateur a du se dire qu’un film sur la crise des 28 ans n’intéresserait personne et comme il ne voulait pas attendre 2 ans de plus pour sortir son film sur la trentaine, voici les poupées russes, et pour notre plus grand bonheur.
La toile de fonds de l’auberge espagnole était l’Europe : un séjour en Espagne d’un étudiant, grâce au programme Erasmus. Ici, l’Europe n’est plus un personnage mais reste un décor omniprésent. Le sujet prédominant est l’amour ; la crise de la trentaine, la recherche de l’âme sœur… de la dernière poupée russe.
Le casting est sensiblement le même, à une chose près : les acteurs principaux sont tous devenus des incontournables du cinéma français. Romain Duris est une fois de plus excellent et joue à merveille le parisien banal, un peu maladroit tout en restant très attachant. Audrey Tautou en Amélie alter mondialiste est toujours aussi juste dans son rôle de l’ex chiante, un tantinet collante. Cécile de France est elle plus que parfaite et hilarante dans son habit de lesbienne dévergondée, tout en évitant de ‘justesse’ les gros clichés. Merci Klapisch une deuxième fois, pour une direction d’artiste au poil.
Klapisch n’a pas voulu faire plus et mieux que l’auberge espagnole : il a donc évité les écueils des suites ratées qui veulent toujours aller le plus loin possible. On peut donc le remercier une troisième fois de ne pas s’être servi du succès du premier opus pour délivrer une suite insipide. Il a d’ailleurs bénéficié, et ce, suivant sa volonté, du même budget que pour l’auberge.
Vous avez pu le remarquer, il est difficile de parler des poupées russes sans évoquer l’auberge espagnole, or il est très facile de voir le deuxième sans avoir vu le premier. Les deux films se dégustent séparément, les fans de Xavier sont juste heureux de pouvoir le retrouver, de partager la suite de ses aventures.
Le film est donc drôle, léger, divertissant et vous laissera j’en suis sur un large sourire ému en sortant de la salle noire. Pour ceux qui iront le voir, ce n’est pas moi qu’il faut remercier. Et pour ceux qui n’ont pas vu l’auberge espagnole, cela pourra vous donner l’occasion de redécouvrir le succès français de l’été 2002.
Une dernière chose, au lieu de vous lire une critique positive, je préfère donner la parole à un critique des cahiers du cinéma, qui a une idée toute différente sur le film: « art qui roule n'amassant nulle mousse, roublardement heureux de son vide. »
Trois ans après la sortie de l’auberge espagnole, Klapisch nous offre la suite des aventures de Xavier, interprété par Romain Duris. Et oui, magie du cinéma, en seulement 3 ans de temps ‘réel’, le personnage de Romain Duris a pris 5 ans: merci Klapisch. Le réalisateur a du se dire qu’un film sur la crise des 28 ans n’intéresserait personne et comme il ne voulait pas attendre 2 ans de plus pour sortir son film sur la trentaine, voici les poupées russes, et pour notre plus grand bonheur.
La toile de fonds de l’auberge espagnole était l’Europe : un séjour en Espagne d’un étudiant, grâce au programme Erasmus. Ici, l’Europe n’est plus un personnage mais reste un décor omniprésent. Le sujet prédominant est l’amour ; la crise de la trentaine, la recherche de l’âme sœur… de la dernière poupée russe.
Le casting est sensiblement le même, à une chose près : les acteurs principaux sont tous devenus des incontournables du cinéma français. Romain Duris est une fois de plus excellent et joue à merveille le parisien banal, un peu maladroit tout en restant très attachant. Audrey Tautou en Amélie alter mondialiste est toujours aussi juste dans son rôle de l’ex chiante, un tantinet collante. Cécile de France est elle plus que parfaite et hilarante dans son habit de lesbienne dévergondée, tout en évitant de ‘justesse’ les gros clichés. Merci Klapisch une deuxième fois, pour une direction d’artiste au poil.
Klapisch n’a pas voulu faire plus et mieux que l’auberge espagnole : il a donc évité les écueils des suites ratées qui veulent toujours aller le plus loin possible. On peut donc le remercier une troisième fois de ne pas s’être servi du succès du premier opus pour délivrer une suite insipide. Il a d’ailleurs bénéficié, et ce, suivant sa volonté, du même budget que pour l’auberge.
Vous avez pu le remarquer, il est difficile de parler des poupées russes sans évoquer l’auberge espagnole, or il est très facile de voir le deuxième sans avoir vu le premier. Les deux films se dégustent séparément, les fans de Xavier sont juste heureux de pouvoir le retrouver, de partager la suite de ses aventures.
Le film est donc drôle, léger, divertissant et vous laissera j’en suis sur un large sourire ému en sortant de la salle noire. Pour ceux qui iront le voir, ce n’est pas moi qu’il faut remercier. Et pour ceux qui n’ont pas vu l’auberge espagnole, cela pourra vous donner l’occasion de redécouvrir le succès français de l’été 2002.
Une dernière chose, au lieu de vous lire une critique positive, je préfère donner la parole à un critique des cahiers du cinéma, qui a une idée toute différente sur le film: « art qui roule n'amassant nulle mousse, roublardement heureux de son vide. »
Sin City
Sin City a été présenté au Festival de Cannes 2005 en compétition officielle. C’était sans aucun doute le film le plus attendu de la quinzaine. C’est sans aucun doute également, le film le plus innovant de ces dernières années.
Sin city est l'adaptation cinématographique de la série de BD The Hard good-bye, dessinée par Frank Miller et regroupant les histoires Sin city, The Big fat kill et That yellow bastard. Visuellement, Sin City est époustouflant et incroyablement fidèle à la BD; mais inutile d'être connaisseur pour être emerveillé par les qualités visuelles du film.L’ensemble des scènes incluant les acteurs a été tourné devant un fond vert, les décors étant créés par ordinateur. Oui, le film est entièrement numérique. Et là j’entends déjà les voix s’élever au nom du «vrai cinéma»… Et là j’entends ma voix leur répondre qu’ils ne sont pas obligés d’aller voir le film.
Au niveau du style, Sin City est un film noir sous amphétamine. C’est «Double indemnity» de Billy Wilder 60 ans après. Les séquences de poursuites nous font penser à la technique du "transparent" utilisé pour les vieux films du genre, qui consistait à faire défiler un paysage derrière une voiture censée être en mouvement.
Le film est en noir et blanc et le réalisateur, à l’instar du dessinateur, se permet l’usage de couleurs par touche. L’univers zébré et saturé utilisant les lignes à outrance pour scinder l’écran n’est qu’une réminiscence des films noirs et de la BD originale.
Le casting n’est pas en reste. La distribution allie stars confirmées comme Bruce Willis, Mickey Rourke, Benicio Del Toro, Michael Madsen, avec des stars montantes comme Elijah Wood, Rosario Dawson, Jessica Alba, Brittany Murphy ou Josh Hartnett.
Le scénario est assez copieux et les personnages foisonnent. C’est peut-être là les principales faiblesses du film. L’histoire est solide, mais la multiplication des situations et des personnages, alliée à des voix-off surabondantes noie parfois le contenu.
Deux anecdotes. D’une part, Quentin Tarantino, le génial réalisateur de Kill Bill dont la B.O. avait été en partie composée par Robert Rodriguez, a dirigé une séquence de Sin City. Ce service rendu a son ami Robert Rodriguez a coûté à la production la modique somme de 1 euro. D’autre part, Frank Miller, dessinateur de la BD et co-réalisateur se permet une apparition brève à la Hitchcock.
Finalement, le film est violent, sexiste, immoral et reprend tous les clichés du genre. Mais pour une fois, ce ne sont que des points positifs.Allez voir Sin City, il ne vous laissera pas indifférent. Vous n’êtes même pas obligés d’aimer.
Sin city est l'adaptation cinématographique de la série de BD The Hard good-bye, dessinée par Frank Miller et regroupant les histoires Sin city, The Big fat kill et That yellow bastard. Visuellement, Sin City est époustouflant et incroyablement fidèle à la BD; mais inutile d'être connaisseur pour être emerveillé par les qualités visuelles du film.L’ensemble des scènes incluant les acteurs a été tourné devant un fond vert, les décors étant créés par ordinateur. Oui, le film est entièrement numérique. Et là j’entends déjà les voix s’élever au nom du «vrai cinéma»… Et là j’entends ma voix leur répondre qu’ils ne sont pas obligés d’aller voir le film.
Au niveau du style, Sin City est un film noir sous amphétamine. C’est «Double indemnity» de Billy Wilder 60 ans après. Les séquences de poursuites nous font penser à la technique du "transparent" utilisé pour les vieux films du genre, qui consistait à faire défiler un paysage derrière une voiture censée être en mouvement.
Le film est en noir et blanc et le réalisateur, à l’instar du dessinateur, se permet l’usage de couleurs par touche. L’univers zébré et saturé utilisant les lignes à outrance pour scinder l’écran n’est qu’une réminiscence des films noirs et de la BD originale.
Le casting n’est pas en reste. La distribution allie stars confirmées comme Bruce Willis, Mickey Rourke, Benicio Del Toro, Michael Madsen, avec des stars montantes comme Elijah Wood, Rosario Dawson, Jessica Alba, Brittany Murphy ou Josh Hartnett.
Le scénario est assez copieux et les personnages foisonnent. C’est peut-être là les principales faiblesses du film. L’histoire est solide, mais la multiplication des situations et des personnages, alliée à des voix-off surabondantes noie parfois le contenu.
Deux anecdotes. D’une part, Quentin Tarantino, le génial réalisateur de Kill Bill dont la B.O. avait été en partie composée par Robert Rodriguez, a dirigé une séquence de Sin City. Ce service rendu a son ami Robert Rodriguez a coûté à la production la modique somme de 1 euro. D’autre part, Frank Miller, dessinateur de la BD et co-réalisateur se permet une apparition brève à la Hitchcock.
Finalement, le film est violent, sexiste, immoral et reprend tous les clichés du genre. Mais pour une fois, ce ne sont que des points positifs.Allez voir Sin City, il ne vous laissera pas indifférent. Vous n’êtes même pas obligés d’aimer.
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